Музейный маршрут 7 шедевров авангарда

«7 шедевров авангарда» — увлекательное путешествие для всей семьи по постоянной экспозиции «Искусство ХХ века». Музейный маршрут поможет познакомиться с важным этапом в истории русского искусства — эпохой авангарда. Редакция Лавруса подготовила для вас подробные истории произведений, представленных в экспозиции.

Важнейшим художественным открытием Малевича стал супрематизм — одно из направлений абстрактной живописи. Пройдя через опыт чистой беспредметности, в конце 1920-х годов художник, как и многие его европейские современники, вновь обращается к фигуративному искусству. В работы Малевича возвращается линия горизонта, разделяющая небо и землю. В картине «Женщина с граблями» художник использует принципы беспредметной живописи в изображении реального мира. Фигура крестьянки кажется собранной из разноцветных плоскостей, которые соединяются в выразительный узнаваемый силуэт. Несмотря на условность изображения, легко заметить, что у крестьянки красивый праздничный наряд, подчеркнутый пылающим красным цветом.

В обращении Казимира Малевича к крестьянской теме было много личного. Детство будущего авангардиста прошло в сельской местности, его отец работал инженером на сахарных заводах. С малых лет художник наблюдал за жизнью крестьян, трудившихся на свекольных полях. Художнику нравилось народное искусство — вышивки, шитье, резьба по дереву, и сам он участвовал в росписи крестьянских печей.

Зал №14.

Памятник III Интернационалу был создан основоположником конструктивизма Владимиром Татлиным. Шедевр искусства ХХ века, «Башня Татлина» стала прообразом архитектуры модернизма. Архитектурный монумент был заказан художнику по случаю основания в 1919 году Коммунистического интернационала — международной организации, объединившей компартии разных стран. В Башне должны были разместиться различные организации Коминтерна.

Основой конструкции этого авангардного здания стали две стальные спирали, опирающиеся на наклонную мачту. Внутри сооружения размещались стеклянные здания в форме куба, пирамиды и цилиндра, увенчанные полусферой. Предполагалось, что они будут вращаться внутри стального каркаса с разной скоростью. Нижнее здание, построенное в виде куба, было предназначено для конференций и съездов, в пирамиде располагались исполнительные органы, в цилиндре — информационное бюро, телеграф, издательство. Башня могла бы стать символом воссоединения человечества, разделенного при сооружении Вавилонской башни. Однако строительство грандиозного монумента высотой 400 метров так и не было осуществлено, а выполненные художником модели не сохранились. Реконструкция памятника, хранящаяся в Третьяковской галерее, была создана к выставке художника, прошедшей в 1993–1994 годах.

Башня Татлина представлена в зале второго этажа.

Картина «Павлин под ярким солнцем» была написана Наталией Гончаровой в период поиска нового художественного языка. Пытаясь создать оригинальный стиль живописи, мастера русского авангарда обращались к разным источникам — от архаики и иконописи до самых современных художественных движений.

«Павлин под ярким солнцем» стал частью серии «Художественные возможности по поводу павлина», куда также вошли картины в китайском, футуристическом, кубистическом, русской вышивки и прочих стилях, как их называла сама художница. Взяв за основу образ экзотической птицы, Гончарова показала, как можно создать современное произведение в диалоге с искусством разных направлений и эпох. Стиль «Павлина под ярким солнцем» определен ею как египетский — из-за особого колорита и декоративности изображения, отсылающими к искусству Древнего Египта. Картина выполнена в духе неопримитивизма, где черты народного и архаичного искусства переосмыслены современным художником. Так «египетский павлин» напоминает нам о персонаже русского народного эпоса — Жар-птице.

Картина представлена в Зале №2.

«Купание красного коня» — одна из важнейших картин в творчестве Кузьмы Петрова-Водкина. В этом полотне мастер соединил традиции классической западноевропейской живописи и древнерусской иконы с эстетикой символизма и модерна. Синтезируя новейшие и традиционные приемы, художник превратил обычную деревенскую сцену в эпическую картину видения будущего, в символ приближающейся эпохи.

Работа над произведением началась весной 1912 года с этюдных зарисовок сцены купания лошадей на Волге. В итоговом холсте художник изменил расположение фигур, следуя собственной теоретической системе, в основе которой лежал принцип сферической перспективы. Фигуры и пространство в картине представлены одновременно сверху и сбоку, благодаря чему создается ощущение «земли как планеты».

Ради предельной выразительности цвета Петров-Водкин отказывается от изображения теней и рефлексов, используя чистые, локальные краски. В этот же период художник сформулировал принцип трехцветия, в котором выделил синий, желтый и красный, считая остальные оттенки производными от их смешения. В «Купании красного коня» основные цвета максимально усиливают друг друга, подчеркивая чувство нереальности происходящего и поднимая бытовой сюжет на мифологический уровень.

В русской традиции образ коня связан с победой добра над злом, а также с солнцем, побеждающим тьму. Петров-Водкин привносит в этот мотив размышление о будущем. Ставя в центр своего полотна огненного коня, художник задает тревожный тон своему предчувствию. Однако конем правит светлая фигура хрупкого юноши, а значит, сила подчинена сознанию, что дает веру в победу Света над Тьмой.

Посмотреть картину можно в Зале №1.

Василий Кандинский — первооткрыватель беспредметной живописи, направления искусства, отказавшегося от изображения реального мира. «Композиция VII» — одно из первых абстрактных полотен мастера, его программное произведение. В своей живописи Кандинский стремился передать суть, внутреннее содержание предметов и явлений. Художник был уверен, что копирование реальности не способно передать ее духовную основу, а создает лишь лишенные смысла оттиски.

В изобретенной Кандинским беспредметной живописи исчезают не только знакомые предметы, но и другие черты традиционной картины: линия горизонта, четкое деление на верх и низ, ближний и дальний планы. Отсутствие привычных композиционных построений, а также большой размер полотна погружают зрителя в живописную стихию, которая живет и трансформируется прямо на глазах.

Кандинский разрабатывал теорию абстрактного искусства, определяя своей задачей создание живописи подобной музыке, а каждому цвету дать точное эмоциональное определение (синий как «элемент покоя», красный как «ощущение силы» и т. д.). Творя этот новый живописный мир в «Композиции VII», художник сталкивает цвета и формы, которые взаимодействуют с друг другом по музыкальному принципу контрапункта. Все эти сложные танцы форм и цвета, многоуровневые столкновения объединены общим движением и развиваются по диагонали, прибывая в едином пространстве белого цвета. Поверхность белого также разложена на множество цветовых оттенков, представая живым вибрирующим пространством, местом рождения и примирения всех конфликтов.

Зал №11.

Натюрморт «Сухие краски» был написан в 1913 году и является своеобразной лабораторией художника для комбинирования различных изобразительных приемов — размашистые мазки, свободная лепка объемов, «весомость» объектов изображения. Полотно включает элементы коллажа — наклейки на банках с красками настоящие.

Кончаловский — один из первых русских авангардистов, отреагировавших на кубизм. В асимметрии формы, ломаных контурах и градиентных черно-белых тенях натюрморта угадывается влияние Пикассо и Брака. Обыденные предметы из обихода художника — склянки, порошки пигментов, кисти, инструменты для растирания краски и прочее — написаны столь ярко и контрастно, что кажутся значимыми и монументальными, подобно громоздящимся зданиям в центре города.

«Сухие краски» — знаковое полотно, квинтэссенция художественных открытий Кончаловского, который вместе со своими единомышленниками из объединения «Бубновый валет» внедрял новое искусство с его нарочитой осязаемостью фактуры, деформацией объемов, обобщением форм и яркой неистовой красочностью.

Посмотреть работу можно в Зале №4.

Один из создателей объединения «Бубновый валет», футурист, учившийся у французских кубистов, Аристарх Лентулов в середине 1910-х годов создает серию городских пейзажей, воплотивших новые представления о возможностях живописи. Соотношение цвета и звука, связь которых ощущал художник, передано через вибрирующее цветовое поле холста, что отражает футуристический принцип цветодинамики. Форма здесь сдвигается, распадается на цветовые плоскости, подобно граням кристалла или игре отражений в калейдоскопе.

«Василий Блаженный» — одна из центральных работ серии монументальных панно, которые создает Лентулов в начале прошлого века. Покровский собор, в народе носящий имя святого юродивого, превращается в условно-собирательный, даже сказочный образ храма, сочетая в себе обобщенные черты памятников древнерусского зодчества, но не теряет своей индивидуальности и легко узнаваем.

Игра форм и объемов, рассыпающихся и собирающихся в тот же момент, дублирующие друг друга очертания позволяют зрителю увидеть собор глазами художника как будто с нескольких ракурсов одновременно.

Работа находится в Зале №5.